MANUEL OCAMPO & IRENE IRE

16 Junio / 07 Agosto, 2018

La exposición irónicamente titulada "500 años después de Guernica: pintura al servicio de su propia contradicción" presenta las pinturas de Irene Iré y Manuel Ocampo, en las que les vemos burlarse de su propia práctica para llegar a una cierta autonomía: autonomía que es central para la creencia de los artistas de que la pintura no necesita ser “emotiva” o “entendida”. El objetivo principal de la pintura es, simplemente, la pintura. Todo lo demás -forma, color, sujeto y significado- es externo. Aunque sus trabajos varían en estilo, tamaño y materiales, éstos pueden interpretarse como una exploración continua de la naturaleza y de los problemas de la pintura (su potencial y sus limitaciones), la pregunta fundamental de qué pintar (tema) y cómo (técnica).
El poder subjetivo de las imágenes y nuestra reacción ante ellas, sigue siendo el elemento central de la práctica de estos pintores. Por ejemplo, ¿qué vamos a hacer con las imágenes cargadas de Irene Iré de la parca, un baterista catalán y los tres cerditos con abstracción gestual (abstracción tachando o borrando la imagen, gestos que simulan la expresión, o las pinceladas funcionando como un lecho de paja para que descansen las imágenes) y un fondo que recuerda a la pintura de paisaje clásica? La forma en que Irene maneja los motivos es que los toma como los encuentra, altos y bajos, y los manipula a voluntad, similar a una especie de mezcla de ópera punk y poesía visual, que es visceral, oscuramente cómica y libremente asociativa. Sus pinturas exploran símbolos, legibilidad, significado y tratamiento pictórico.
En el trabajo de Manuel Ocampo le vemos hacer referencia a Goya, excepto que el título de la exposición se refiere a Picasso. En su obra, hay una sensación de confusión entre varias tendencias y referentes históricos del arte. Vemos que el nombre de Goya escrito en las pinturas como para evocar la historia, la política y los muertos como un conjuro, pero finalmente el nombre se esfuma en un ardid decorativo destinado a justificar la marca; ¿el nombre Goya es sólo un mecanismo para engañar a la audiencia a que busque algún significado histórico que no está allí? También vemos que la fecha de las pinturas están datadas antes de su realización: ¿Debemos entender que hay significados para estos números o se pretende inducir al espectador en esas fechas para ser transportado al pasado estas fechas para ser transportado en el tiempo o el artista está jugando con nuestras mentes?
Con estos ejemplos, los artistas pretenden presentar la multidimensionalidad de la pintura: esa pintura no sólo tiene una dimensión semiótica sino que también puede viajar más allá del lenguaje.



Manuel Ocampo
(1965, Ciudad Quezón), que representó a Filipinas en la última Bienal de Venecia, vive y trabaja en su ciudad natal, en Filipinas. Ocampo es conocido por sus frecuentes y estratégicos cambios estilísticos como respuesta a los nuevos contextos y temas de estudio. Sus exposiciones son frecuentemente construidas en torno a tendencias contradictorias, elaborando discrepancias entre qué pintura parece que es y cómo se comporta en relación a las estructuras que legitiman su apariencia. Él siempre adopta cambios inesperados de estilo y énfasis. Ocampo pinta, pero se crea la duda si una particular técnica es la solución.
Emplea como fuentes de inspiración tanto la alta como la baja cultura, como motivos de la Historia del Arte (por ejemplo, Goya), símbolos religiosos, cultura popular occidental o, incluso, literatura. Es conocido su admiración por Martin Kippenberger a quien a menudo cita. El estilo de Ocampo se caracteriza por el uso de una pincelada gruesa y de colores vivos, además de su humor negro y del empleo de temáticas a menudo macabras.
Ocampo es considerado uno de los artistas vivos en activo más influyentes. Además de haber expuesto y formar parte de numerosos museos internacionales en prácticamente todos los continentes, es considerado el principal artista vivo de su país. Entre sus últimas individuales destacan: 2018, Yes, Sir/Ma’am! No, Sir/Ma’am! Right Away, Sir/Ma’am! en Tyler Rollins Fine Art (NYC); 2017, Oeuvres: 1994 - 2016, Galerie Nathalie Obadia, París; 2017, Hello! Belle Peinture: Thinking of the Beginning of the End of the Death of Painting, Nosbaum Reding Art Contemporain, Luxemburgo; 2016, The Corrections, Finale Art File, Makati, Filipinas; o en 2016, Sweating the Green Parrot Out, Marie Kirkegaard Gallery, Copenague, Dinamarca.

Irene - Iré (1980, Madrid, España). Vive y trabaja en Madrid, España. Su pintura se caracteriza por el empleo de referencias e imágenes que reflejan ser consciente de la Historia y al mismo tiempo del entorno “artificial” a nivel social que la rodea. Empleando el cambio de códigos que representa nuestro mundo actual mediatizado, lo que hace que la pintura de Irene se mantenga independiente del panorama tradicional. Las pinturas de Iré contienen numerosas referencias a la mitología, la cultura popular y los tabúes del pasado (de España), en particular. Ella distorsiona todas las normas consensuales, creando reflexiones absurdas de nuestra realidad histórica; pero al mismo tiempo demuestra que el arte abarca dentro de sí mismo un potencial liberador para el individuo. Su visión se mueve entre la abstracción, el gestualidad y la imagen en sí misma. Lo que confiere fuerza y complejidad a su obra es la tensión que provoca entre la imagen visual como símbolo e icono de la Historia y la representación post-media abstracta del presente. A través de su arte, Iré trata de confrontar y analizar cuestiones de origen y de finalidad en lugar de rechazarlos o negarlos.

Algunas de sus últimas exposiciones son: “ Five Hundred Years After Guernica” Manuel Ocampo & Irene-Iré en Topaz ( Queens, New York), “Yes Sir Ma’am! No Sir Ma’am! Right Away, Sir Ma’am!” Manuel Ocampo y colaboraciones en Tyler Rollins Fine Art ( New York ), “Monument to the Pathetic Sublime: Resuscitating Goya or an All Out Attempt at Tran-scendence” Manuel Ocampo & Irene-Iré Coagula Curatorial (Los Ángeles, California), L.A. Art Fair; exposiciones colectivas en The Drawing Room (Manila, Filipinas), en La Organi-zación de las Naciones Unidas (ONU). Ginebra.
Cuenta con la publicación del catálogo Cosmic-Vice Holes y del catálogo de la Feria de arte Proponendo.
Recientemente, han sido publicados diferentes artículos sobre la obra de Irene-Iré en diferentes medios: Los Ángeles Times escrito por David Pagel, Huffington Post escrito por Jo Russ.


500 AÑOS DESPUÉS DE GUERNICA:
LA PINTURA AL SERVICIO DE SU PROPIA CONTRADICCIÓN

16 de junio - 7 de agosto de 2018
Manuel Ocampo (Ciudad Quezón, Filipinas, 1965)
Irene Iré (Madrid, 1980)

Galería Juan Silió
C/ Sol 45, bajo. 39003 Santander.
Horario:
Lunes-Sábado,
10:30 – 13:30 h.
18:00 – 21:00 h.
(Inauguración: 16 de junio, 20:00h)