ARCOmadrid 2013

13 Febrero / 17 Febrero, 2013

[ARCOmadrid 2013]
Feria Internacional de Arte Contemporáneo
Parque Ferial Juan Carlos I (IFEMA)
28080 Madrid
Inauguración: 13 febrero
Clausura: 17 febrero
Situación/Pabellón: 10B05
+ INFO

La Galería Juan Silió participará por vigesimoprimera vez en la Feria Internacional de Arte Contemporáneo ARCOmadri 14 de ellas como Fernando Silió y 7 como Juan Silió. Esta feria, que este año celebra su 32ª edición se podrá visitar del 13 al 17 de febrero en el Parque Ferial Juan Carlos I (IFEMA).
Dentro del Programa General se presentarán obras de Michael Najjar, Alain Urrutia, Carlos Irijalba, Antonio Mesones, Nuno Nunes- Ferreira, Ricardo Cavada y Miguel Ángel Tornero que será el artista seleccionado en el programa “Artista destacado”.

La obra fotográfica de Miguel Ángel Tornero (Baeza, Jaen, 1978) investiga las delicadas fronteras entre la realidad y la ficción desde la complejidad de lo cotidiano. Se presentan obras de su última serie Photophobia, que tuvo su primera presentación en la exposición individual en Santander el pasado otoño.
En Photophobia la fotografía se nos presenta como un ser vivo. La fragilidad de la imagen fotográfica y la caducidad del medio son interpretadas como virtud, como herramientas portadoras de un áurea emocional. La luz y su representación protagonizan la paradójicamente actual estética de lo marchito que encontramos en estos collages. Photophobia indaga en la incidencia del tiempo sobre la imagen en el papel, en su desaparición; imágenes que han perdido su color y su intensidad por la exposición al sol principalmente. Al mismo tiempo se alude al concepto de belleza y a la fugacidad de la vida.
Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Granada, actualmente Tornero disfruta de una beca en la Academia de España en Roma, donde trabaja en una extensión de su proyecto The Random Series. Considerado unos de los jóvenes fotógrafos españoles con mayor proyección, ha sido galardonado con prestigiosos premios de fotografía como el Primer Premio de Arte Grünenthal (2011), el Primer Premio de fotografía "Purificación García” (2007) o el Primer Premio del Concurso “ABC” de fotografía (2003).

De Michael Najjar (Landau, Alemania, 1966) se podrán ver obras de su serie más reciente “outer space”, un proyecto a largo plazo que investiga el impacto de nuevos espacios tecnológicos en nuestra sociedad y que surge a partir de su interés por la investigación espacial como exponente privilegiado de la insaciable curiosidad humana. Michael Najjar formula su aventura artística y se convertirá en el primer artista en el espacio tras firmar un contrato con Virgin Galactic del empresario inglés Richard Branson.
El propósito principal de la serie es presentar, nutrir y expandir una dimensión cultural de los actuales y futuros esfuerzos de astronáutica de la humanidad. Dejando la tierra, viajando a la luna u otro planeta, explorando el universo, cambia nuestra idea de lo que somos y a dónde pertenecemos. Esto modifica los parámetros que definen lo que los humanos pueden y no pueden hacer, y revela la curiosidad eterna de la humanidad, nuestro esfuerzo para mirar más allá de fronteras, restricciones y límites. Seremos testigos de un cambio paradigmático en el campo de la exploración espacial, las nuevas tecnologías aumentarán hasta donde hoy ni siquiera podemos imaginar. Pero para las generaciones futuras la vida en el espacio se convertirá en una realidad cotidiana.
Michael Najjar, fotógrafo alemán de reconocido prestigio internacional, centra su obra en cómo las nuevas tecnologías afectan al crecimiento y evolución del hombre, de la sociedad y de las ciudades.

Una parte del trabajo de Alain Urrutia (Bilbao,1981) viene ordenada por capítulos. Agrupa dibujos en los cuales incorpora su iconografía personal que, en este caso, trasladado al dibujo se acerca al instante fílmico. El resultado es una secuencia de dibujos sin orden aparente donde todo lo pasado es presente. Una secuencia que resulta extraña, ajena al observador. El trabajo realizado específicamente para ArcoMadrid, es un conjuto de 9 dibujos de carboncillo sobre papel de formato medio y gran formato: Chapter IV; Pietà. Esta obra no es una cita pictórica o escultórica sino un momento visual que sintetiza la narración, porque describe un momento de intimidad en medio de una tragedia. Se trata de una relectura que toma como punto de partida la imagen mental asociada a la religión y en concreto la Pietà de Miguel Angel, pero sin necesidad de justificar su procedencia iconográfica.
Con este trabajo se amplía su lectura generando un dialogo con imágenes como la de los altercados del 29S en Madrid, Durruti muerto o Nietzsche en su fase de demencia bajo los cuidados de su madre. Todas ellas, tal y como sucede con el resto de las piedades, contienen dos dimensiones temporales, la de la tragedia presente y la que evoca la memoria del pasado.
Alain Urrutia está considerado una de las jóvenes promesas del arte vasco. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco, ha estado presente en las últimas ediciones de ARCOmadrid y ArteLisboa; fue seleccionado para exponer en los actos de conmemoración del 15 aniversario del Museo Guggenheim Bilbao con el proyecto 103-B, realizado específicamente y ha sido galardonado con numerosos premios como la Beca de Residencia Vamos a China en el MA Studio Beijing 2011 (China), Beca Diputación Foral de Bizkaia 2010, Primer premio en La Muestra Itinerante de Artes Plásticas Ertibil Bizkaia, Primer premio en el Concurso de Artes Plásticas del Colegio de Ingenieros del País Vasco 2009, Accésit en los Premios Injuve 2008, Beca de intercambio con el Rogaland Art Centre de Stavanger 2008 (Noruega), etc.

La pintura de Antonio Mesones (Torrelavega, Cantabria, 1965) deposita el tiempo sobre la superficie plana mediante la repetición de un gesto cromático, indagando de forma misteriosa sobre esta materia de la vida.
En los lienzos de Mesones se refleja magistralmente su característico universo colorista que, con el paso del tiempo, ha ido prescindiendo de elementos formales del lenguaje plástico como la narración o el significado, convirtiéndose en una pintura introspectiva y catárquica, que se organiza en capas que van tapando sucesivamente lo expresado anteriormente, dejando solamente ver la luz a pequeños resquicios de significado que expresan una delicadeza extrema, tanto en las formas como en los colores elegidos, para expresar el sentimiento interno del pintor.
Mesones, licenciado en Bellas Artes por la Universidad de País Vasco y becado por la Fundación Botín la Gerrit Rietveld Academie de Holanda, forma parte de Invaliden1, grupo de artistas que surge al amparo de la libertad creativa y la diversidad que abona y enriquece el terreno artístico actual en la ciudad de Berlín.

Carlos Irijalba (Pamplona, 1979) presenta el proyecto “High tides” consistente en una perforación geotécnica que despliega una línea de tiempo y transparenta una construcción estratigráfica del territorio. La extracción de este tiempo materia supone la puesta en relación del ahora antropocéntrico frente la dimensión y la escala geológicas.
Esta investigación se centra en el territorio de Urdaibai en el País Vasco, declarado Reserva de la Biosfera en 1984, circunstancia que muestra un corte, un cambio de perspectiva frente a un territorio concreto. Una fina superficie de cambio respecto a la historia, no política ni social, sino geológica, una medida de tiempo donde toda intervención de escala humana se desdibuja y se convierte, por ahora, en superficie.
High tides es el estudio de un terreno físico dado. Pero, en realidad, también estudia cómo la obra nos quita el terreno que hay bajo nuestros pies, sustituyendo la lectura de la historia del hombre por la inefable presencia de los depósitos geológicos.
Licenciado en Bellas Artes en la Universidad del País Vasco, Irijalba finaliza sus estudios en la Universidad de Kunst de Berlín. Galardonado entre otras con la Beca de Fotografía del Museo Guggenheim de Bilbao o la Beca Marcelino Botín 2007/2008. Recibe en 2009 Mención de Honor en Generaciones Caja Madrid y el Primer premio Purificación García.
El joven creador, vinculado a la galería Juan Silió desde 2007, ha participado en numerosas exposiciones internacionales como Atopias en el CCCB Barcelona, LMCC New York o la reciente Delimitations comisariada por Ghila Limón en Herzliya Museum de Israel.

De Nuno Nunes - Ferreira (Lisboa, 1976) se presenta su proyecto “niños perdidos” donde el artista documenta los acontecimientos que comenzaron durante la dictadura de Francisco Franco cuando varias instituciones españolas inician tímidamente la investigación de robos de bebes y niños. Lo que comenzó siendo una operación de exterminio de una tendencia política en las cárceles de posguerra, se extendió y generalizó por diversas maternidades hasta los años 80 y acabó por convertirse en un lucrativo negocio de compra-venta de recién nacidos.
La memoria es el concepto principal en el trabajo de Nuno y, el pasado, la fuente de inspiración donde el artista encuentra nuevas ideas para desarrollar. Nuno busca la belleza estética en imágenes crueles de nuestro pasado colectivo, logrando su objetivo de alcanzar una reflexión sobre diferentes episodios de historia mundial, seres humanos y otros momentos que el tiempo ha tratado de hacer desaparecer o negar en ocasiones.
Nuno Nunes-Ferreira, que actualmente vive y trabaja en Santarem (Portugal) ha participado en las últimas ediciones de ArteLisboa, ARCO, Arte Santander o Valencia Art. Sus trabajos están presentes en colecciones como Colección Norte de Cantabria, Liberty Seguros, Fundación Sorigué, Jesús Bárcenas Electricidad, Câmara Municipal de Sintra o Câmara Municipal de Vila Verde.

En las obras presentadas de Pedro Mora (Sevilla, 1961) se puede apreciar el gusto del artista por la utilización de materiales industriales para construir sus esculturas. Sus conocimientos sobre el peso, la medida y la escala, le llevan a construir “el subconsciente de un modo consciente, fabricando -subproductos o restos- que modifico y vuelvo a modificar”. Así lo demuestra en su obra “casi feliz”, consistente en una roca cortada simulando un levantamiento topográfico o un paisaje montañoso sobre lápices de colores, el volumen y peso de la roca queda amortiguado por los lápices de colores como metáfora del Arte como sustento.
Los trabajos de Pedro Mora vienen sin instrucciones de uso, como es habitual en el arte, cada obra nos llega al entendimiento o nos afecta, según la base de experiencias y conocimientos que cada uno posee. Lo que trata Mora, entre otras cosas, es de poner en práctica estrategias y crear situaciones idóneas, que producirán experiencias intensas y una contemplación diferente del objeto.
Pedro Mora se licencia en Bellas Artes en la Universidad de Sevilla en 1988. Trabaja y reside en Nueva York entre 1992 a 1999. Actualmente vive y trabaja en Pastrana (Guadalajara). Entre 2004-2005 es consejero asesor artístico de la revista internacional Art.es, ha realizado numerosas publicaciones sobre sus exposiciones y ha impartido diversos talleres y conferencias. Desde principio de los ochenta ha participado en numerosas colectivas celebradas en España y en el extranjero; de la mano, entre otros, de Soledad Lorenzo ha participado en ferias de arte como ARCO y Art Basel. Su primera exposición individual la presentó en Sevilla en el año 1986; en el 89 obtuvo la Beca de Creación Artística Banesto; y el año 91 una beca Fulbright le llevó a experimentar en Estados Unidos.

De Ricardo Cavada (Pontejos, 1954) se podrá ver obra reciente donde el pintor cántabro va depurando su estilo y su técnica en busca de la esencia pura de la pintura y del color. Su madurez artística se vuelca en la investigación pictórica, estableciendo un íntimo y personal diálogo con cada una de sus obras.
Cavada, vinculado a la Galería desde sus inicios, trabaja en sus últimos lienzos entorno a la problemática de la pintura en sí misma, ofreciendo un distanciamiento con series anteriores suyas en las que una rica paleta de colores vivos convivía dentro de un mismo cuadro. Tiende actualmente a la monocromía siendo cada una de las obras una exhaustiva investigación de transparencias y tonalidades que las convierten en verdaderos centros de reflexión invitándonos a descubrir todos y cada uno de los pequeños y ricos matices que nos ofrece.
El estudio detenido de la trayectoria de Cavada nos lleva a pensar que se trata de una pintura absolutamente coherente, heredera de sí misma y con una evolución asentada y lógica; con un discurso narrativo que ha evolucionado en las formas, pero que se ha mantenido siempre en esa búsqueda de la esencia, alejado de las distracciones y las modas, y que ha llevado a Ricardo Cavada a convertirse en un artista de reconocido prestigio, con más de un centenar de exposiciones a sus espaldas y cuya obra se encuentra presente en gran número de colecciones de ámbito nacional entre las que destacan la Fundación “La Caixa”, Fundación Coca Cola España, Colección CAC Málaga, Colección Unicaja de Málaga, Colección Norte de Arte Contemporáneo, Colección Testimoni de La Caixa, Ministerio de Asuntos Exteriores, Colección del Banco de España, Museo Municipal de Bellas Artes de Santander, Colección Bergé en Madrid o Colección Arthur Andersen.


Artistas:

MIGUEL ÁNGEL TORNERO
CARLOS IRIJALBA
ALAIN URRUTIA
NUNO NUNES- FERREIRA
PEDRO MORA
ANTONIO MESONES
MICHAEL NAJJAR
RICARDO CAVADA